CESARE LUCCHINI
La terra trema
26 marzo – 25 giugno 2023

Il Museo d’arte Mendrisio inaugura la stagione espositiva 2023 con una grande antologica dedicata al pittore ticinese Cesare Lucchini (1941). Nato a Bellinzona e tra gli artisti più importanti della sua generazione, Lucchini conclude la formazione nel 1965 all’Accademia di Belle arti di Brera a Milano, dove vive e lavora per i successivi vent’anni. Alla fine degli anni Ottanta, desideroso di entrare in contatto con la scena artistica e culturale tedesca, si trasferisce in Germania dove tiene a lungo un atelier a Düsseldorf e a Colonia. Oggi vive a lavora a Lugano.
La mostra intende ripercorrere – per la prima volta a Mendrisio – i principali capitoli della straordinaria carriera di Lucchini, dagli esiti espressionisti degli anni Sessanta e Settanta all’influenza della Pop Art per arrivare al confronto con i Neue Wilden tedeschi. Particolare rilievo però è attribuito alla produzione più recente che rivela, con incredibile lucidità e altrettanto profonda poesia, un gesto sintetico nel tratteggiare la drammaticità del nostro mondo contemporaneo, da sempre inesauribile fonte iconografica da cui attingere.

LA COLLEZIONE 1982- 2022
23 ottobre 2022 – 29 gennaio 2023

Inaugurato l’11 settembre 1982, il Museo d’arte Mendrisio compie 40 anni. Il primo nucleo, fondamentale spinta alla nascita di un museo cittadino, era costituito dalla collezione dei fratelli Aldo e Aldina Grigioni, uno straordinario insieme di oltre 150 opere, selezionate ad offrire una panoramica di rilievo soprattutto dell’arte ticinese e lombarda tra fine Ottocento e inizio Novecento.
Da allora il Museo d’arte Mendrisio di strada ne ha fatta tanta: a quella prima donazione se ne sono aggiunte molte altre nel tempo che hanno notevolmente arricchito il patrimonio dell’Istituto (che conta, oggi, all’incirca 5200 opere); parallelamente lo straordinario “contenitore” architettonico (il complesso di San Giovanni) ha subito una serie di restauri e ampliamenti tali da trasformarlo in una realtà museale ed espositiva di rilievo nel panorama cantonale e nazionale. Per festeggiare questa importante ricorrenza, la mostra autunnale non poteva che prevedere, in un allestimento creato per l’occasione e che coinvolge tutto lo spazio espositivo, i principali capolavori della collezione: 200 opere di 148 artisti, distribuite secondo un andamento cronologico e suddivise in sale tematiche, così da fornire non solo una panoramica esauriente di quanto custodito nei depositi ma, soprattutto, un affresco importante sulle evoluzioni del gusto, degli stili e delle iconografie.

Davide Cascio
Chaosmos
22 maggio – 4 settembre 2022

Chaosmos consiste di 3 interventi site-specific negli spazi del Museo d’arte Mendrisio: un mobile nel grande salone al I piano (Spider Bee) e alcuni interventi anche sulle pareti (Dangling painting relifs), di una schermatura dei due archi verso il primo corridoio (Out) e di un’installazione nella I sala (Riverrun). Inoltre, verranno presentati anche alcuni lavori (tra cui una serie di collages) a ripercorrere le più recenti fasi della sua produzione oltre a una sezione biografica. Davide Cascio è un artista ticinese la cui ricerca parte generalmente da un’attenta analisi delle fonti del passato per sviluppare progetti modernisti profondamente connessi al concetto di metamorfosi e conversione. Le sue installazioni, dalla matrice architettonica, operano come un percorso mentale che, seguendo le logiche dell’imprevedibilità, coltivano ideali utopici. Caratteristica principale dei suoi lavori è la meticolosità del progetto, l’attenzione metodica ai materiali, il rigore geometrico che si riallaccia tanto alle avanguardie costruttiviste e suprematiste di inizio Novecento quanto alla scuola del Bauhaus e all’architettura radicale.

Gianfredo Camesi
Dallo spazio al tempo
22 maggio – 4 settembre 2022

Dallo spazio al Tempo è il titolo del progetto che l’artista valmaggese Gianfredo Camesi ha elaborato per gli spazi del Museo d’arte Mendrisio. Un progetto che ripercorre in sintesi la storia artistica di Camesi, dalle opere della prima maturità, come Point vital o la Flèche, a opere del 2016-17 rimaste ancora inedite, come tutta la serie – sedici lavori in totale – dei Retables (Trittici d’altare). Questa mostra, che conta quasi 80 opere suddivise per la maggior parte in serie (Espaces Mesure du Temps, Vacuités, Chemin du corps, Forme de lumière, Portraits/Autoportrait) rappresenta una summa del suo lavoro artistico. Fluidità e circolarità sono le caratteristiche del percorso passando da una sala all’altra all’interno del museo; ma non solo, creando un passaggio effettivo dall’esterno (chiostro) al punto d’inizio all’interno (Point vital collocato in un angolo del corridoio). Il catalogo che accompagna la mostra (testi: Simone Soldini, Walter Tschopp, Emanuela Burgazzoli, Linda Broggini) intende documentare non le singole opere o serie ma il progetto in un percorso fotografico (foto: Stefano Spinelli).
Mostra e catalogo sono a cura di Gianfredo Camesi e Simone Soldini.

A. R. Penck
24 octobre 2021 - 13 février 2022

A. R. Penck (1939-2017) est sans aucun doute l'un des artistes allemands les plus importants de la seconde moitié du XXe siècle, celui qui, avec ses amis et compagnons (Baselitz, Lüpertz, Polke, Richter, Immendorf et Kiefer), a su exprimer les contradictions de l'Allemagne post-nazie et le conflit Est-Ouest à travers un langage très original, même s'il est conçu dans les formes d'expression traditionnelles, comme la peinture, le dessin et la sculpture.
La rétrospective Mendrisio, qui comprend plus de 40 peintures de grand format, 20 sculptures en bronze, carton et feutre, et plus de 70 œuvres sur papier, livres d'artiste et carnets, vise à retracer les principales étapes de l'un des représentants les plus significatifs de l'art international des années 1970 et 1980.

Aoi Huber Kono
Gravures Acryliques Tapisseries
29 juillet - 5 septembre 2021

Aoi Huber Kono, un peintre qui est depuis longtemps un ami de notre musée d'art. Nous sommes honorés par son amitié et ses liens de longue date avec notre institution. C'est avec grand plaisir que le Museo d'arte Mendrisio lui rend hommage à l'occasion de son 85e anniversaire. Née à Tokyo en 1936, fille d'un célèbre graphiste, l'artiste japonaise est liée à une autre figure célèbre du graphisme international, Max Huber, avec lequel le Musée d'art de Mendrisio a collaboré pendant une longue période depuis sa création (son logo est celui de notre Musée).

Sergio Emery - Œuvres 1983-2003
24 avril - 4 juillet 2021

Sergio Emery (Chiasso, 1928 - Gentilino, 2003) est l'un des principaux protagonistes de l'art au Tessin dans la seconde moitié du siècle dernier. Son parcours est singulier, et non linéaire comme pour la plupart des artistes de sa génération. Après avoir débuté dans le sillage du XXe siècle (Carrà, Sironi, Morandi), il s'oriente vers le néo-psychasme, qu'il a pu tester à Paris en 1949 avec Edouard Pignon. Cette première saison se termine par l'abandon brutal de la peinture et le début d'une période de 10 ans de design moderne. Il reprend sa carrière au milieu des années 1960, d'abord dans une direction informelle, puis dans un style plus conceptuel et environnementaliste.

Mais le grand tournant pictural s'est produit au début des années 1980 avec le cycle des poupées. C'est le point de départ de l'exposition rétrospective organisée à Mendrisio, qui s'étend sur vingt ans. La dernière saison se déroule dans une concaténation de thèmes, tous centrés sur la nature, qui, vus rétrospectivement, donnent l'idée d'un work in progress d'une grande compacité. Les traits dominants d'une peinture entre gestuelle et figuration : le signe, le rythme, l'invention compositionnelle, l'insertion de matériaux de rebut. Un chapitre en soi, le dernier cycle extraordinaire, Nel settembre del '43, dans lequel Emery retrouve, grâce à un rêve et en donnant libre cours à son imagination, un événement qui lui est arrivé pendant les années de guerre.

Miki Tallone - [ēx].
24 avril - 4 juillet 2021

Miki Tallone (1968) est une artiste tessinoise dont la recherche est basée sur l'exploration de l'espace et du temps - également à la lumière de ses études personnelles dans le domaine de la performance - et sur la collecte de souvenirs privés et collectifs des lieux qu'elle visite. La confrontation, tant architecturale qu'environnementale, avec les territoires dans lesquels elle travaille et la conception anthropocentrique des espaces sont particulièrement importantes dans son approche conceptuelle : ses installations, comme elle l'a elle-même déclaré, sont " construites autour de l'homme, mais aussi comme une émanation de l'homme ". L'ampleur des références de Miki Tallone est composite, sa capacité à interagir avec l'environnement fait d'elle une restauratrice à l'envers : au lieu de restaurer l'état d'origine, elle évolue à partir de celui-ci, l'intégrant dans une nouvelle vision dans laquelle le public est appelé à interagir.

C'est également le cas de [ēx], l'exposition organisée au Museo d'arte Mendrisio, pour laquelle Tallone a conçu trois œuvres in situ (dans le splendide cloître voûté et dans la grande salle du premier étage) qui révèlent son aptitude à recoder les contextes.

Dans les deux projets extérieurs(Arundo 1 et 2, et Fluo), Tallone s'insère dans le site historique non pas en le manipulant, mais à travers un processus d'assimilation qui intègre l'espace, l'élevant au-delà des limites architecturales ; dans l'installation intérieure(Demo), le visiteur est soumis à une série de mécanismes silencieux de sociabilité à travers la représentation d'un rituel (le banquet) sans convives, dont les gestes statiques et symboliques sont cristallisés dans l'utilisation de tissus et d'images complémentaires sur le mur.

André Derain
Expérimentateur à contre-courant
27 septembre 2020 - 31 janvier 2021

André Derain est l'une des grandes figures de la révolution artistique du début du XXe siècle, tant en peinture qu'en sculpture, une icône de l'art du XXe siècle, un ami de Picasso, Matisse, Braque et Giacometti. Derain a formé avec Henri Matisse et Pablo Picasso la triade d'artistes qui a complètement changé l'art du XXe siècle dans le monde entier. Derain a dirigé et inspiré un grand nombre des principaux courants de la peinture moderne et contemporaine. Il est l'héritier de l'impressionnisme, l'initiateur de la peinture fauve et l'un des pères du cubisme, ainsi que le précurseur du retour au classicisme. Au tout début du 20e siècle, une poignée d'artistes a complètement changé notre façon de voir l'art. Parmi les plus grands innovateurs figurent Derain et Matisse, qui ont passé plusieurs années à peindre ensemble des paysages marins à Collioure, dans le sud de la France. Entre 1905 et 1910, ils ont créé un mouvement pour lequel le terme Fauve a été inventé, c'est-à-dire le groupe des "sauvages", en raison des couleurs vives et ardentes qui caractérisent leur travail.
Picasso avait également une grande admiration et un grand respect pour Derain, surtout au début du siècle dernier. À partir de 1910, pendant plusieurs années, Derain et Picasso travaillent ensemble et s'étudient mutuellement. Ils ont beaucoup traîné ensemble et leur amitié a duré jusque dans les années 1930. C'est Derain qui a introduit Picasso dans le monde de l'art africain et avec Derain Picasso a fait ses premiers pas vers le cubisme. Tous deux étaient des amants mondains, des hommes à succès, des célébrités de l'art du XXe siècle. Mais alors que la fortune de Picasso s'est accrue tout au long du siècle, celle de Derain a connu un déclin brutal et momentané après la Seconde Guerre mondiale, grâce au monde des galeries d'art et du marché.
L'exposition organisée par le Museo d'arte Mendrisio, dans le cadre de son activité d'exposition consacrée aux grands maîtres modernes, vise à explorer tous les principaux aspects de la recherche de Derain, et en particulier à contribuer à recentrer et à réévaluer les qualités particulières de sa production complexe et articulée entre les deux guerres et jusqu'à sa mort.
En ce qui concerne la peinture, l'évolution et l'expérimentation du style et des thèmes seront analysées, ainsi que les nombreuses références implicites ou explicites aux domaines artistiques les plus divers de toutes les périodes. Et ce dans les différents genres : paysage, nature morte, portraits, nus féminins, et compositions plus articulées . Tout aussi importante, bien que plus modeste, est la production sculpturale, qui est documentée par un groupe d'œuvres très intéressantes.

D'hier à aujourd'hui.
Lignes contemporaines au Tessin.
La collection
10 juin - 9 août 2020

À travers une centaine d'œuvres de la collection, l'exposition vise à créer un kaléidoscope d'expériences dans le but d'établir un dialogue entre les différentes œuvres, en reconnaissant des affinités de langage.

Le contemporain est ici compris comme un dialogue entre générations couvrant une quarantaine d'années d'histoire, passant soudainement d'un souvenir d'atmosphères du dernier naturalisme à une image technologiquement ultra traitée.

Le cœur de l'exposition se situe donc dans l'histoire du Museo d'arte Mendrisio, des premières biennales consacrées à Paolo Bellini et Aldo Ferrario aux espaces dédiés à Alan Bogana et Marta Margnetti. Ce sont tous des artistes connus qui ont eu des liens étroits avec notre institut et que nous devons remercier.

Œuvres de :

Selim Abdullah, Sibilla Altepost, Paolo Bellini, Franco Beltrametti, Adriana Beretta, Livio Bernasconi, Anna Bianchi, Alan Bogana, Giuseppe Bolzani, Gianfredo Camesi, Rosanna Carloni, Daniela Carrara, Marisa Casellini, Edgardo Cattori, Massimo Cavalli, Milo Cleis, Andrea Crociani, Ilaria Cuccagna, Edmondo Dobrzanski, Tommaso Donati, Marcel Dupertuis, Matteo Emery, Sergio Emery, Renzo Ferrari, Aldo Ferrario, Luisa Figini, Samuele Gabai, Andrea Gabutti, Piero Gilardi, Silvano Gilardi, Elia Gobbi, Aglaia Haritz, Hermanus, Timothy Hofmann, Max Huber, Aoi Huber-Kono, Cesare Lucchini, Marta Margnetti, Simonetta Martini, Paolo Mazzuchelli (PAM), Eleonora Meier, Luca Mengoni, Gianni Metalli, Vincenzo Meyer, Gian Paolo Minelli, Flavio Paolucci, Gianni Paris, Gregorio Pedroli, Adriano Pitschen, Rolando Raggenbass, Tino Repetto, Mariangela Rossi, Alberto Salvioni, Ruggero Savinio, Paolo Selmoni, Fabrizio Soldini, Ivo Soldini, Bohdan Stehlik, Una Szeemann, Miki Tallone, Gianmarco Torriani, Francesco Vella, Petra Weiss, Gianmaria Zanda, Flavia Zanetti, Piera Zürcher

INDIA ANTICA
Capolavori dal collezionismo svizzero
27 ottobre 2019 – 26 gennaio 2020

Oggi possiamo ammirare solo delle parti del variegato e vasto mondo dell’antica arte indiana. Culla di tre religioni – buddismo, induismo e giainismo – ancora oggi in vigore, l’India ha un patrimonio culturale estremamente ricco, anche se si è preservato solo quello composto da materiali durevoli. Questo patrimonio racconta del rapporto dell’umanità con le forze ultraterrene che la governano e con l’universo in generale. Di conseguenza, l’India è ricca di divinità di vario genere che rappresentano queste forze e il loro travalicamento. Il significato di queste divinità è costantemente rielaborato, e anche qualora il suo nome non cambiasse, la divinità è tutt’altro che statica. Curata da Christian Luczanits, esperto di arte indiana alla London School of Oriental and African Studies, la mostra si concentra sulle trasformazioni che queste divinità subiscono dalle prime rappresentazioni figurative alle più tarde forme espressive esoteriche (tantriche). I cambiamenti di significato derivano solo in parte dai testi relativi alle divinità; tuttavia, le immagini parlano anche da sole e in relazione ad associazioni poetiche atemporali. Una yakṣī, una sorta di spirito naturale femminile responsabile della fertilità e del benessere, può chiacchierare con un pappagallo per evitare che riveli ciò che è successo la sera precedente. Al contrario, un Budda seduto e riccamente decorato allude a un risveglio che è stato reinterpretato dal punto di vista del buddismo esoterico.
Pur senza la pretesa  di essere rappresentativa della totalità dell’antica arte indiana, la mostra copre aree essenziali. Gli oggetti esposti riflettono l’interesse occidentale per l’arte indiana, dove predominano temi buddisti e pacifici. La selezione è stata operata sulla base dei criteri di qualità e disponibilità. La mostra è suddivisa in nove sezioni: Metafore poetiche; Animali leggendari; Tradizioni a confronto; Storie edificanti; Poteri femminili; Diramazioni esoteriche; Miracoli; Coppia divina; Divinità cosmica. Sono esposte sculture provenienti da varie regioni dell’India, Pakistan e Afghanistan. La datazione delle opere si estende su 14 secoli, dal II secolo a.C. al XII secolo d.C.

Piero Guccione 
La pittura come il mare
7 aprile – 30 giugno 2019

Non c’è mai stato un artista che sia riuscito a dare la dimensione della luce e della relazione tra l’azzurro, il mare e il cielo come Piero Guccione. Egli è stato tra i maggiori protagonisti della pittura italiana del secondo Novecento. Nato nel 1935 a Scicli, ultima propaggine meridionale della Sicilia, e recentemente scomparso, per oltre quaranta anni ogni mattina Guccione ha guardato il mare cercando di coglierne le variazioni, non per semplice descrittivismo, ma per trovarci sempre l’anima dell’uomo.
«Mi attira l’assoluta immobilità del mare, che però è costantemente in movimento.» È questa la grande impresa che quotidianamente ha affrontato: guardare il mare con il desiderio di fissare qualcosa in continuo movimento. Guccione ha portato la sua ricerca ai limiti dell’astrazione, restando tuttavia ben ancorato alla realtà. Persino nelle ultime opere dove la rarefazione è condotta all’estremo e il senso di vuoto diventa qualità principale, egli vuole e sa rimanere pittore di un’antica tradizione radicata nel dato realistico, figurativo. Nel dipingere il mare e il cielo, egli è stato attratto dalla forza e dal colore di quell’impercettibile linea che divide la parte superiore dei suoi dipinti, il cielo, dalla parte inferiore, il mare. È questa impercettibilità che ha sempre cercato di riportare sulla tela.